Els Pets: Evolución Interesante

A finales de los 80s nació en Cataluña un fenómeno llamado el "Rock Català", fuertemente subvencionado por las instituciones, que hizo surgir multitud de grupos jóvenes a las ondas, atreviéndose a cantar pop-rock en lengua catalana.

Todo venía por la lógica de apuntalar el catalán como lengua vehicular entre la juventud, y se consideró que si el catalán se convertía en una lengua que también se utilizaba en los modernos lenguajes pop-rock (en el folk siempre había estado presente), pues se conseguiría darle más fortaleza frente a los tiempos de la globalización, etc.

Esta iniciativa, que bajo mi prisma particular e ideologías aparte (que no son objeto de discusión en este blog) tiene una cierta lógica, lo que hizo es que surgieran muchísimos grupos en muy poco tiempo, y con propuestas musicales, salvo excepciones, bastante poco interesantes. La mayoría bebían de influencias bastante trilladas (Led Zeppelin, Bob Marley, Stones...), mucho reggae, mucho rock'n'roll garrulillo de taberna con solos pentatónicos, algo de heavy, y muy poquito pop. Grupos como Sopa de Cabra, Sau, Lax'n'Busto, Sangtraït... bajo una propuesta musical de muy poco nivel y muy poco arriesgada se convirtieron en superventas prácticamente de la noche a la mañana, y además con iniciativas muy alejadas del mainstream del momento. Nada de Grunge, nada de Indie, nada de Noise, nada de Americana... Era como si gente con muy poca curiosidad musical hubiera conseguido salir del local de ensayo del que nunca debiera haber salido gracias al dinero público de la Generalitat y los Ayuntamientos. En esa época, si cantabas en castellano (como era el caso de mi banda), no te comías un torrao, literalmente.

En su momento (y hasta el día de hoy) el movimiento este del "Rock Català", con sus revistas, sus programas de tele, sus salas de concierto públicas para hacer bolos, no me ha interesado casi nada. Incluso he polemizado con algún defensor de esta línea cuando al preguntarme si me gusta el "rock català" yo le he contestado que las canciones me gustan o no bastante al margen del idioma en que sean cantadas.

Pero os quería hablar de Els Pets. Supongo que su nombre no necesita traducción. Sí, es eso. Este era, para mí, uno de tantos grupos del fenómeno del que vengo hablando y que, para más inri, ponían temática nacionalista en sus letras. E iban en plan "somos de pueblo" y tal, orgullosos de ser de una localidad de las afueras de Tarragona... nada con lo que yo me pudiera sentir identificado. Sus discos, de los que sólo me llegaban los singles a los oídos, iban de temática rural ("Come avellanas", "Tarragona me borra, Constantí me hace sufrir"), y me parecían uno de tantos engendros musicales que en ese momento se generaban con un chorro de dinero público.

Pero llegó su cuarto o quinto disco, no sé, el "Bon Dia", y me quedé de piedra. Power Pop en catalán! Qué había pasado aquí? Y nuevos sonidos... Rickenbackers, Hammonds y Wurlitzers, metales... Y después del "Bon Dia" llegó "Sol", y después "Respira" (que yo lo llamo la fábrica de singles) y después, como cima, en 2004 sacaron "Agost", su álbum más maduro. Después han sacado otro hace un año o dos, pero ya no es lo mismo, es como si hubieran iniciado el declive.

Y aquí os pongo un tema, "Bocins de tu" (Trocitos de tí) del "Agost". Este es un tema con un aire más "americana", con un solo de telecaster de estilo steel-guitar que nos transporta al otro lado del atlántico, menos rockero, y super bien producido (ahí está el maestro Brad Jones, genio del powerpop, a los mandos).

Para los que quieran probar, que empiecen por el "Respira". Es monumental, y está muy barato!

Chad & Jeremy: Zombies meet Folk

Hoy os voy a colgar un temita de Chad & Jeremy, un grupo que ha descubierto mi cuñado César (una de mis antenas musicales) al serle recomendado este disco cuando estaba haciéndose en Amazon con el Odessey and Oracle de los Zombies.

Y la verdad es que está muy bien: canciones fresquitas, cortas, pero con una superproducción musical a lo Odessey and Oracle o Sargent Peppers: flautas, cuedas, detalles de percusión por aquí y por allá... muy George Martin, vaya.

Pululan estilísticamente en ese pop británico de la segunda mitad de los sesentas, pero más cerca del folk que del blues. Incluyen incluso en el disco una versión de los Simon and Garfunkel, "Homeward Bound", así como "Early Morning Rain", clásico de Gordon Lightfoot llevado a la fama por "Peter, Paul and Mary".

El disco en cuestión, "Distant Shores", es muy interesante. Yo voy a intentar hacerme con algo más de ellos, a ver qué tal.

Diferentes Maneras de Aproximarse a los Beatles.

Los Beatles. Un icono de la música pop. Tan presentes en nuestras vidas de modo tan omnímodo y desde hace tanto tiempo que parecen parte del paisaje.

Cuando yo crecí musicalmente, en los años 80, no me interesaban nada. Eran como el León de la Metro, la Sagrada Família o el Jingle Bells, simplemente estaban ahí como habían estado siempre, y uno no se paraba a pensar si eran artísticamente buenos o no. Simplemente estaban.

En los 90s, abriéndome a más estilos musicales (venía del hard rock y aledaños), entré en el pop y a oír muchos más tipos de música, y llegar a los Beatles era simplemente una cuestión de tiempo.

Y ahora me encantan , y aprecio los saltos que hicieron hacer a la música, sobretodo en su segunda época, a partir del Rubber Soul, que es cuando más me gustan.

Pero este topic no lo he abierto para hablaros de los Beatles, sinó de diferentes maneras que pueden tener las bandas de aproximarse a uno de sus iconos, en este caso los Beatles, presumo que el grupo más versionado de la historia.

Una, la más obvia, es simplemente tocar sus canciones. En medio de tu repertorio habitual intercalas un tema de esa banda. Como habíamos hecho los Poble Sex (una banda en la que toqué en los 90s) con Drive My Car, aunque tocada a lo Blaxploitation. En un extremo de esta opción están las bandas de covers, gente que intenta "recrear" exactamente lo que era su banda favorita, tocando sus canciones exactamente igual que ellos, los mismo solos clavados, las mismas harmonías (ni una licencia se permiten), y se visten igual que ellos. Tampoco me extrañaría nada que los Beatles fueran la banda con más cover bands dedicadas.

Pero hay también otras maneras, y de esto os quiero poner unos ejemplitos. El primero es tener tan metidas sus influencias en el cuerpo que los temas que compones te salen con un "aire" tsn explícito que parecen compuestos por tu banda de referencia.

Os pongo un ejemplo con los Winnerys, una banda de Madrid muy potente que no puede negar llevar a los Beatles metidos hasta el tuétano.



Otro ejemplo más curioso es el de Todd Rundgren y su álbum "Face the Music", una serie de composiciones que tienen cada una como referencia a una canción concreta del cuarteto de Liverpool. Homenaje? Parodia? Que cada uno piense lo que quiera. Os pongo una hora a ver si adivináis de qué canción beatle bebe este tema.

Fountains of Wayne: Power Pop Canónico

Hay muchísimos grupos en el mundo powerpop que explotan a fondo la fórmula canónica de intro cantada+ estrofa-estrofa.estribillo-estrofa-puente-solo-final, o pequeñas variaciones sobre esto. Con sonido guitarrero VOx AC30 y muchos coros. Y si el puente es en cambio de tono, pues mejor que mejor.

Y he de reconocer que aunque trillada, esta fórmula me encanta. Y os pongo como ejemplo de un tema de este tipo el "This better be good", de los Fountains of Wayne, que no aporta nada a la historia de la música moderna, pero que me sigue sonando fresco a través de los años.

Consejos de Grabación, por Todd Rundgren

Os pongo este divertimento que incluye Todd Rundgren en su "Something/Anything", en el que explica y pone ejemplos de algunos errores que se pueden hacer en el proceso de grabación-edición-masterización.

Para los profamos en el tema, como yo, me parece curioso.

Qué espero yo de un batería?

Ah... los baterías... qué difícil es encontrar uno bueno...

Porque darle a los tambores y saber hacer un beat clásico de bombo-caja, eso lo saben hacer todos, o casi todos.

Pero que sepan hacer breaks originales (y no siempre los mismos), y que sepan seguir con la caja y el bombo las sílabas de la canción, y que tengan mano con el charles y le sepa sacar muchos sonidos y texturas... Y que sepa tocar flojo y fuerte, no siempre a piñón...

Y que sea algo salvaje, pero que no esté todo el rato intentando lucirse (para eso ya estamos los pesados de los guitarras).

Todo eso son muchas cosas.

Yo siempre digo que mi batería ideal es el que sepa tocar "Money City Maniacs" de Sloan, como lo toca Andrew Scott (además con una batería reducida a lo mínimo: caja, bombo, un tom, goliat, charles, un plato de expresión y un ride). Este tema tiene de todo: un ritmo básico en la estrofa, a veces con charles y a veces con plato de ritmo, pero el estribillo es tremendamente complicado: se ha de seguir el ritmo entrecortado de la voz (and the joke iiiiis, ready you woke iiiiif) desde la sección rítmica, mezclándose en la canción y dando fuerza a la línea melódica de la voz y los coros, y eso, amigo, es realmente difícil.

Yo pongo a Andrew Scott dentro de los baterías de escuela clásica (muchos redobles, con la baqueta de la caja cogida entre el pulgar y el índice) y con la mala leche y el sentido de la melodía de Keith Moon. Ahí es nada.

Os pongo, para que veáis a qué me refiero, la versión en vivo de Money City Maniacs del disco "4 Nights at the Palais Royal". Esta es una versión extendida, con solo de batería incluido y vacilada con el público entre el minuto 3 y el 5, por si os lo queréis saltar.

Any Trouble: Dónde están las chicas guapas?

Así se llamaba su primer disco, "Where are all the Nice Girls?", del año 80.

Metidos en el escuadrón de bandas del sello Stiff, la verdad, ahí costaba mucho destacar mezclados entre tanto talento: Specials, Costello y compañía hacían sombra sobre la mayoría de sus compañeros, con lo que grupos como Any Trouble se quedaron en una "segunda división".

Banda montada alrededor de Clive Gregson, guitarrista y compositor, hace un pop canónico de esa época: la new wave. Melodías pegadizas envueltas en inmediatez punk, con textos que mezclan frustración adolescente con humor sardónico.

Su segundo disco "Wheels in Motion" es, para mí, mucho más flojo con lo que si podéis haceros con este "Where are all the Nice Girls", reeditado por Stiff Records en 2007, ya os hacéis con su mejor repertorio. Y os pongo, de este disco, el tema homónimo. Con sonido muy ochentero: telecaster a través de Roland Jazz Chorus, todo muy comprimido, y con un cierto abuso (muy de la época) del efecto Chorus (uno de los que menos me gustan)

Power Pop para Estadios: Cheap Trick

Esta banda americana llevó, a finales de los años 70, el género powerpop a su cima comercial: mezclando riffs cercanos al heavy metal con atractivas melodías, y trabajando mucho los coros, encontraron una fórmula exitosa para subirse a las listas del Billboard. Su disco en vivo "At Budokan" es aún un clásico que se sigue reeditando contínuamente.

Entre 1976 y 1981 sacaron cinco elepés ("Cheap Trick", "In Color", "Heaven Tonight", "Dream Police" y el antes mencionado "At Budokan") llenos de rock energético, con temas compuestos en su gran mayoría por Rick Nielsen, un hombre tocado con el don de hacer melodías tremendamente pegadizas y a la vez, basar las canciones en riffs guitarreros de sonido muy saturado. Desde ese "Dream Police" hasta hoy han seguido trabajando, girando y haciendo discos pero, en mi opinión, perdieron gran parte de su magia.

Rick Nielsen es coleccionista de guitarras (tenía más de 100 en 1976 cuando empezaron, con lo que hoy ya debe ser una cifra obscena...) y se nota en lo cuidadoso que es en el tono, con guitarras con el punto justo de phasing, con saturación fuerte pero orgánica, y eso que en las grabaciones de esa epoca se utilizaban efectos digitales, que resultaban en un sonido muy frío.

Os pongo un tema, "Downed", del segundo trabajo "In Color", en el que se puede ver ese aire de arena-rock, con su intro preparada para mecheros (entonces no había móviles), en el que nos podemos imaginar a millones de personas gritando cuando entran los estribillos, puente rockero a base de un riff repetitivo... Sonido algo comprimido, avanzándose a su época... se acercaban los ochentas!

Roy Loney: Caballero del Rock'n Roll

A veces no hace falta hacer obras muy sofisticadas para hacerte vibrar. Ahí es donde entran esas palabras tan manidas en la cultura popular moderna como "actitud", "frescura", "inmediatez", etc.

Y es verdad que, siendo yo muy amigo de las canciones que me sorprenden a cada vuelta de esquina con giros inesperados (por eso me gustan tanto los Sloan), he de reconocer que me quito el sombrero ante esos autores capaces de hacerte sentir emociones con canciones absolutamente predecibles, de esas en que cuando las oyes por primera vez, ya sabes perfectamente donde va ir el próximo cambio de acorde o la paradita de turno.

Y en este último capítulo podríamos poner el rock'n'roll clásico de toda la vida, de mi-la-si y a correr. Me encanta. Por su simplicidad? Por ser unidireccional? Por la fuerza que tiene?... Pues igual por un poquito de cada... pero la verdad es que el rock'n'roll cincuentero, el rockabilly (con el gran maestro Setzer predicando desde el podio), las canciones de Chuck Berry (que tienen, en un 90%, la misma estructura), me gustan mucho.

Y hoy os quiero hablar de un caballero dentro del mundo éste: Roy Loney, cantante de la primera formación de los Flamin' Groovies, que, absolutamente a contracorriente, ha seguido haciendo discos de rock'n'roll A-B-C hasta hoy, con sus bandas de acompañamiento, los Long Shots principalmente y los Phantom Movers, siempre con varios ex-Flamin' Groovies militando en ellas.

Y os pongo un tema suyo con los Phantom Movers, grabado a saco en un tugurio, que es un resumen de lo que me gusta a mí de un rock'n'roll: sonido crudo, buenos coros, y que sea corto. Este dura 1,39 y hasta tiene solo. Pas mal, no?

Víctimas del sello Titan 1: Millionaire at Midnight

Tom Sorrells y Mark Prellberg sabían mucho de una cosa: captar talento powerpop, saber prensar en vinilo canciones de estribillos juguetones tocados con rabia, bases rítmicas potentes y líneas de bajo cantarinas, con muchos, muchos coros y melodía.

Pero había algo que no tenían, pero nada de nada: olfato para los negocios. Todos los singles que sacaron llegaron a tener una cierta pegada en radios locales, los DJs estaban a la espera de su próximo descubrimiento, pero ellos estaban centrados demasiado en el trabajo de estudio y poco (o nada) en la promoción.

Y así les fué: bandas de gran talento, como The Boys, Gems, Millionaire at Midnight, The Secrets, pasaron sin pena ni gloria (económica, claro) por su catálogo. Y cada single tuvo buena entrada en las radios pero fué, por mala gestión, un fracaso económico.

Como ellos confiesan, "We never had a clue".

Y os pongo una muestra de las maravillas que llegaron a grabar: os pongo un tema de los Millionaire at Midnight, con los que hicieron un single y nunca más se supo.

Está claro que no se pueden hacer negocios sólo con el corazón. También hay que poner cabeza.

Reconciliación

Iba a llamarle a esta entrada "Cómo mejorar una canción", pero corrijo.

A los U2 siempre les he tenido bastante manía: grupo rompe-estadios, con una insoportable pose mesiánica "vamos a salvar el mundo", llenándose la boca de mensajes contra el hambre, la pobreza y el cambio climático, mientras se forran de pasta y se trasladan la residencia de Irlanda para pagar menos impuestos. Todo tremendamente hueco e hipócrita, a mi parecer.

En consecuencia, nunca he sido capaz de tomármelos en serio musicalmente. Sus dos primeros discos, War y Boy, me dijeron algo en su día pero se han quedado arrinconados en la estantería y debe hacer años que no los pongo. Y los Unforgettable Fire, Joshua Tree y demás, he sido incapaz de escucharlos nunca, simplemente por rechazo.

Y hete aquí que hoy me estaba escuchando el Solitary Man, de Johnny Cash, y me sale una versión impresionante de uno de los temas que más me cargan del grupo éste, "One".

Primera lectura (y errónea): "Cómo hace un temazo este hombre de una birria de canción!" Pero eso es lo fácil, quedarse ahí, con los apriorismos en la cabeza.

Segunda Lectura: Si es un temazo es un temazo, lo haya compuesto quien lo haya compuesto, sobretodo si lo escucho en una versión superdesnuda y en la que no se han realizado cambios en su estructura, si no es una versión "adaptada". Y si no me gusta el original será porque no me gusta el estilo de U2, o simplemente porque les tengo manía y soy incapaz de escuchar su música con oídos objetivos. Y ya está.

Cada vez pienso que es mejor (y más seguro) clasificar la música según el eje "me gusta-no me gusta" y no entrar en valoraciones, que en el eje "bueno-malo", porque los gustos de uno cambian con el tiempo. Cosas que me hechizaban hace 25 años ahora las escucho y me dejan frío y viceversa. Será que entonces eran buenas y ahora malas? Será simplemente que he cambiado mis gustos o que estos han "evolucionado"? Qué es música buena? Qué es música mala? Por qué gente con la que he compartido gustos musicales durante años y que hemos "evolucionado" en distintas direcciones ahora le emociona música que a mí no me dice nada? Es que ellos se han "equivocado"? Seguro que no.

Tesis: la música se divide en dos grandes grupos. La que me gusta y la que no. Y la forma y amplitud de los conjuntos cambia con el tiempo.

Os dejo el tema de U2 por Johnny Cash, para que sepáis de qué hablo.

Jaume Sisa: el cantautor galáctico

Y vamos a hacer una primera propuesta de alguien de nuestra tierra. De Barcelona concretamente, Jaume Sisa.

Y la foto de al lado es un autógrafo que conseguí cuando me lo encontré en el IKEA. No soy mitómano, pero realmente Sisa es de mis ídolos. Junto a Costello y Elliott Smith.

Pero volvamos a lo que cuenta:

Mientras el mundo musical se desdoblaba en Cataluña y aledaños, en la primera mitad de los años setenta, en historias de fusión, jazz-rock y progresivo (Música Laietana) y de canción protesta basada en el folk (la Nova Cançó), surgieron una par de francotiradores que me parecen tremendamente interesantes: Pau Riba y Jaume Sisa.

Y hoy le vamos a dedicar este post al genio del Poble Sec, Jaume Sisa. Un hombre que se ha tenido que reinventar varias veces para partir de cero: como Ricardo Solfa, como el Viajante...

Un hombre que hace unas canciones donde las letras siempre destilan una atmósfera onírica, con multitud de referencias a una Barcelona costumbrista y a los héroes del cómic de postguerra. Con unas canciones que escuchadas parecen sencillas pero que, cuando intentas sacarlas a la guitarra, ves que tienen ruedas de acordes tremendamente complejas, pero que este autor hace sonar siempre muy naturales. En este detalle es, en mi opinión, donde se delata su grandeza compositora.

Empezó con un single en 1969, "L'Home Dibuixat", (El Hombre Dibujado) canción de estructura simple, muy agradable a la escucha, pero donde aún no se ven esos giros armónicos que este hombre es capaz de hacer. Después vienen, durante todos los 70s, un racimo de discos de gran categoría: "L'Orgia", "Qualsevol Nit pot sortir el Sol" (el más completo, en mi opinión), "La Galeta Galàctica", "La Màgia de l'Estudiant", "La Catedral"... En los 80s decae algo, pero aún tiene discos de gran calado, como "Roda la Música". Después se tira a los boleros via Ricardo Solfa y El Viajante y, en el año 2000 resucita como Sisa en una segunda juventud que aún está viviendo, con colaboraciones con Pascal Comelade, Vainica Doble, etc. Os recomiendo un recopilatorio que se editó en los 90s, "El més galàctic", para los que queráis tener una visión más generalizada.

Y qué canción poner? Me ha costado mucho escogerla. Hay tantas y tantas.... quería que tuviera un aire retro, que sonase a bolero o a guateque, que tuviera giros armónicos interesantes, que fuera de las que me emocionan... Y al final me decido por "Cançó de la Font del Gat", del monumental "Qualsevol Nit por sortir el Sol". Un tema claramente dividido en dos partes: la primera, de dos minutos, lenta y onírica, y la segunda con un ritmo cadencioso y algo latin, y que tiene una cadencia de acordes realmente endiablada.

Larga Vida al Maestro!

Johnny Cash: seguimos en América

Y seguimos con música americana de raíces.

Con el inmenso Johnny Cash. 50 años sacando discos. No soy un especialista en su discografía, no domino mucho sus primeros tiempos, pero estamos hablando de un hombre que es capaz de vestir una canción sólo con su guitarra y su voz. Qué voz, amigos!

Tenía ya algunos discos de este señor en el fondo del armario (el típico recopilatorio primerizo, el Live in Fulsom Prison, etc.), pero realmente cuando me quedé prendado de él fué con la serie American Recordings, cinco discos grabados con Rick Rubin, con canciones suyas y versiones adaptadas de grupos de pop, como Depeche Mode (Personal Jesus), Tom Petty (I won't back down), Leonard Cohen (Bird on a Wire), etc. Son unas sesiones magníficamente grabadas, con una instrumentación minimalista que hace resaltar su inmensa voz, grave y redonda.

De todos, yo me quedo con el primero de la serie, American Recordings, por ser posiblemente el más desnudo de todos: guitarra Martin (una pista) y voz (otra pista), y ya está. Y cuando se tiene talento, no hace falta nada más.

Os propongo un tema, Delia's gone, con el que abre este primer disco de la serie. Temática carcelera tan típica de este artista (Delia habría sido mi mujer si no la hubiera matado primero), rueda de acordes básica entre las básicas (fundamental, cuarta y quinta), y guitarra rasgada sin pretensiones: como si estuviéramos alrededor de una hoguera en el campo por la noche tocando.

Jonny Kaplan and the Lazy Stars

La verdad es que el género Americana es de esos en los que no me prodigo mucho. Sí, me gusta el country (no demasiado el bluegrass), con lo que el rock con base folklórica me va, mientras no le metan muchos violines.

Me encantan los Jayhawks, pero tengo una relación difícil con Wilco, los Uncle Tupelo no me entran... Son Volt se me atraganta...

Como véis es un género en el que me cuesta entrar, pero en su vertiente más rockera sí que me hace disfrutar.Y hoy os presento un tema de un tipo, Jonny Kaplan, que se pasea precisamente por esa vereda musical.

Me recomendaron este disco en Escridiscos, tienda madrileña donde siempre me dejo aconsejar, y fué un acierto total. Canciones sin pretensiones, exquisitamente bien tocadas (menudo guitarrista es el tipo, cómo hace sonar las stratos), y con bastante nervio. Este Kaplan es un yanqui que pasa, parece ser, largas temporadas en Madrid, y que graba poco, y bien.

Aquí os dejo con Damaged Part 1, de su disco "Free Ride", en mi opinión una maravilla de pe a pa. Para los que queráis algo más tranquilo podéis probar con "California Heart", album más "de raíces", que se considera mejor pero a mí no me gusta tanto.

Autos Detroit: mi Banda de Power Pop

Ya amenacé, al iniciar este blog, de que de vez en cuando escribiría alguna cosa al margen de los Temas de la Semana, y que incluso osaría hablar alguna vez de cosas mías.

Sí, de esas que sé perfectamente que interesan poco... pero la vanidad me puede. Y hoy, como excepción, os voy a hablar un poquito de Autos Detroit, la banda en la que toco.

Es muy joven, creo que empezamos Pedro (guitarra, voz y composición) y yo a ensayar hacia febrero, con lo que tenemos nueve meses. Y 22 temas propios! A la mayoría de los cuales les hace falta ese 10% final tan necesario para poderlos presentar en público (o arreglar las voces, o aquel arreglito que no nos acaba de salir, o ya cerrar el solo, o...).

Vamos a ver si nos ponemos a buscar un bolito que nos haga hacer ese 10% de trabajo restante, porque sinó la incontinencia compositora de Pedro nos tiene prisioneros...

Os pongo un tema grabado a saco en un ensayo para los que tengáis paciencia (y querencia por el sonido lo-fi). Believe me, un tema de Pedro.

The Kinks: Embajadores Británicos del Pop

Cuando uno piensa en Inglaterra y en los 60s, rápidamente piensa en la dualidad Beatles-Stones.

Pero yo reivindico a los Kinks, y a los Who. Que jugaban con desventaja, porque en los Beatles estaban Lennon y McCartney (y Harrison, cuando le dejaban hacer algo) y en los Stones estaban Jagger, Richards y Jones. Y en cambio, en los Kinks sólo estaba Ray Davies (su hermano contribuía más bien poco) y en los Who, Pete Townshend se lo tenía que cargar todo en la espalda. O estaban inspirados ellos, o no tenían quien les relevara.

Y hoy vamos a hablar de los Kinks, que la gente aún los recuerda como los creadores de los temas basados en riffs (All Day and all of the Night, You Really Got Me), y que para mí, precisamente en esos sus comienzos, aunque realmente precursores de nuevas formas de construir el cuerpo de una canción (le enseñaron el camino a los futuros AC/DC), no me parecen muy interesantes.

Pero, a partir del Kontroversy, su tercer disco, empieza una saga de obras maestras hasta el año 70, con "Powerman". Discos en que el pop británico toma su forma definitiva: letras sardónicas, suaves melodías, arreglos sofisticados, pose arty...

Y después,en los 70s, en plena época de exaltación del virtuosismo y arrinconamiento de la "canción" como elemento de expresión, pierden algo de frescura, aunque tienen LPs memorables como el "Muswell Hillbillies" (en que deciden hacer un disco de sonido americano, y les sale, vaya si les sale...) y el "Misfits", ya en 1978.

Y hacen, en 1973-74, su primera Opera Rock (llegaron a hacer dos más), Preservation, que pasa casi sin pena ni gloria. Y es aquí donde os propongo un tema, "Sweet Lady Genevieve", del primer acto. Un tema de aires algo bucólicos, con muy poca producción, donde hay guitarrazos setenteros dentro de un ambiente poppy. Muy Kinks.

Cake: Sonido de Hojalata

Estos hombres tienen un segundo disco, "Fashion Nugget", impresionante. Todos los otros que he escuchado simplemente tienen, a mi parecer, algunos temas notables y punto.

Canciones pop sin pretensiones, pero con una mezcla de sonoridades y estilos muy interesante, que hacen que este grupo sea de los que, nada más empieza una canción, puedas claramente identificarla como suya.

Guitarras rítmicas de sonido "muy enclenque", trompetas (tienen una en la formación básica), una voz muy interesante, y letras muy ingeniosas.

Os propongo un tema "Friend", baladita de estructura grunge (estrofas tranquilitas con sonido limpio y estribillos sucios y contundentes), en que el protagonista le dice a su interlocutora que, viniendo de ella, la palabra "amigo" tiene cuatro letras (Love?, Fuck?, no sé...).

He puesto este tema como podría haber puesto tanto otros de este LP, que os recomiendo encarecidamente.

Tropicalia Sandunguera: Os Mutantes

En la entrada anterior -la que queda más abajo- os he hablado del fenómeno Tropicalia, y os he colgado un tema de Caetano. Y hoy, aprovechando que sólo hace tres días de lo anterior, como si fuera una "solución de continuidad", os cuelgo un tema de Os Mutantes, los eléctricos de ese efímero movimiento que sacudió las bases de la música popular brasileña entre 1967 y 1972.

Os Mutantes. Amantes de la tontería. Que componían temazos. Y divertimentos. Esperpénticos, en el sentido valleinclanesco de la palabra: exagerar los atributos típicos de un objeto (en este caso, de una canción) hasta hacerlos risibles. De ahí esas baladitas, boleros, cumbias, repletas de efectos hipnóticos. Buscad los temas "Tiroleite" (un swing con "lorelei" escuela Hank Williams"), "Hey Boy" (balada pop tipo "grupo de chicas de los sesenta"), "Cantor de Mambo" (burla de los delirios mesiánicos de Carlos Santana, con un solo de guitarra impresionante...) y podreis reiros un rato.

Pero hoy os voy a colgar un tema en que los Mutantes se ponen serios, y hacen un cruce de colores brasileiros y psicodelia costa oeste. "Ando meio Desligado" se llama. Es de su tercer disco, "A Divina Comedia", de 1970.

Sus cinco primeros discos son obras maestras. También los dos primeros discos en solitario de Rita Lee (uno de los tres miembros de la banda), "Build Up" y "Hoje e o Primeiro dia do resto da sua Vida" en que los hermanos Baptista (los otros dos mutantes) colaboran en profundidad. Aunque si queréis empezar con una visión general tenéis un excelente album recopilatorio, "Everything is Possible", que os puede dar una idea bastante potente de las posibilidades de este conjunto.

Brasil meets psicodelia: Tropicalia

Con bastante retraso, ya que esta semana he ido absolutamente de cráneo por viajes, reuniones, powerpoints y demás esencias, os presento aquí uno de los capítulos que actualmente estoy investigando: el movimiento Tropicália.

Básicamente integrado por artistas que, sin renunciar a la música popular brasileira de la que habían bebido siempre (con ese color tan especial que transmite la música de ese país, lleno de armonías más abiertas, llenas de acordes con tensiones complejas -novenas, sextas, onceavas- y ese idioma meloso y dulce), abrieron sus mentes a las nuevas influencias que venían del norte, básicamente el folk-rock y la psicodelia. Corría el año 1967...

Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa, Os Mutantes y Rita Lee, Jorge Ben, Tom Zé... ahí estan los tótems de este movimiento, que adoptaron además una postura izquierdosa y comprometida en un país que se arrastraba bajo una dictadura militar.

Mis artistas preferidos de este movimiento (aunque me queda aún mucho por investigar, escuchar y disfrutar) son los que considero más eclécticos: Caetano Veloso, un monstruo de la música popular brasileña, y los Mutantes, los reyes del scherzo, siempre tomandose todo a guasa y fabricando auténticos pastiches deliciosos e irreverentes donde conviven el bolero y el fuzz.

Hoy os cuelgo un tema inmenso de Veloso, Clarice, de su disco "Tropicalia", de 1969. Es un corte tremendamente melódico, con varios cambios de tono y una sección de cuerdas muy íntima y nada grandilocuente. Podríamos clasificar este tema como una post-bossa, o algo así.

NOTA: esta semana suena en goear un anuncio de san Miguel antes de cada canción. PAciencia, son solo unos segundos.

Grupos de Chicas de los 60s

Todo un subgénero en sí. Dominado por Shangri-las y Ronnetes. Pero también con las Shirelles, Martha and the Vandellas, y toda una ristra de grupos de singles que tuvieron su momento de gloria.

Temática adolescente chica-suspira-por-chico, producción ampulosa, sonido Motown(o wannabe Motown, que a veces no había tanto presupuesto), ritmos bailables...

Y aquí os cuelgo un tema de Lesley Gore, que tuvo su número uno en 1963 con "I'ts my Party", y que aquí os propongo con otro tema, "Maybe I Know". Aquí el esquema de acordes es menos R&B, más blanco y melódico, sin pentatónicas e incluso un cambio de tono.

Para los que os vaya esta onda, os recomiendo la recopilación "Growin' Up Too Fast", editada por Mercury en 1996, un doble CD con una cuarentena de temas bastante consistente.

Talentos Precoces 2: Emitt Rhodes

Y aquí, otro personaje que empezó pronto: Emitt Rhodes, que ya había grabado con los Merry-Go-Round a los 16 añitos, el hit "Live".

Y que decidió ponerse en solitario. A los 19 años firma su primer disco con Dunhill Records, en estudio, con bastante dinero invertido por la discográfica, y no funcionó en ventas. Después sacó el que se considera (y yo también) su obra maestra, "Emitt Rhodes", una auténtica maravilla de aire McCartney en la que compone y arregla todos los temas, además de tocar todos los instrumentos y cantar y hacer coros. Está grabado en el garaje de casa de sus padres. Tenía entonces 20 años.

Y entonces empezó el infierno: el contrato discográfico que tenía le obligaba a entregar un LP cada seis meses, y él (ni nadie!) no podía llevar ese ritmo. La compañía le reclamó 250000 dólares como daños y perjuicios, más de lo que había cobrado él en toda su vida de artista!. Logró grabar tres discos más y en 1973 (con 23 años) se retiró.

No ha hecho nada más, se sabe poco o nada de él, y se comenta que tiene un estudio móvil de grabación con el que trabaja grabando a pequeñas bandas.

Cuanto talento desperdiciado!

Acaban de salir ahora editados los cuatro discos de Emitt Rhodes en solitario ("The Emitt Rhodes Recordings 1969-73") en un doble CD y no puedo más que recomendároslo fervientemente.

Y os pongo un tema "Long Time No See", de su segundo disco, para que veáis la madurez con que componía este chico de, entonces, 20 años.

Bruce Thomas: el hombre que me hizo querer tocar el bajo

Toda la vida he sido guitarrista. Aficionado, como ya dije al principio. Llevo tocando casi ininterrumpidamente desde 1988 en bandas de todo tipo.

Y el bajo siempre me pareció un instrumento básico y aburrido, el que hacía cloc-clonc-clonc con la base del acorde, y punto. Por qué? Yo vengo del rock, y en el rock, el papel del bajo tiende a ser bastante limitado, haciendo, básicamente, lo que he descrito arriba. Con algunas excepciones (Geezer Butler, de Black Sabbath, por ejemplo), pero que son eso, excepciones.

Y hete aquí que a finales de los 80 empiezo a escuchar powerpop y new wave. Y descubro al trío maravillas: Elvis Costello-Graham Parker-Joe Jackson. Y veo que en las canciones, ahora el bajo ya no sustenta el acorde, sinó que es un instrumento solista, que va haciendo escalas, incluso melodías propias, reforzándo el carácter melódico de las canciones. Y veo que ahora, las guitarras no son las únicas protagonistas, sino que la sección rítmica es una base esencial de las características básicas del estilo powerpop: melodía y fuerza.

Y descubro a mi gran héroe: Bruce Thomas. EL BAJISTA. Melódico y contundente a la vez, tremendamente imaginativo, que se sube sin ambajes arriba del todo del mástil hacia la parte "aguda" del bajo, que se atreve a no tocar la tónica en un primer tiempo de compás...

Y a partir de ahí, cambié mi manera de tararear las canciones... ahora canto la línea de bajo! A finales de los 90 ya era bajista de una formación, "Tal Cual", me compré un Rickenbacker... y así hasta hoy.

Os voy a poner un tema del segundo disco de Costello, de estructura muy sencilla, en el que el gran Bruce Thomas se marca unas líneas impresionantes... cuantos recursos le he copiado al hombre este!

Aimee Mann: clase por los cuatro costados

Y hete aquí esta señora, venerada por todos los iconos de la new wave, desde Elvis Costello a Andy Partridge de los XTC pasando por el Sr. Nick Lowe.

Bajista de los Til Tuesday en los 80s, empezó su carrera en solitario en 1993, con el magnífico "Whatever", pero no fué hasta el año 2000 que explosionó con el impresionante "Bachelor nº2".

Viene del punk, coquetea con el folk, y crea unos temas con ritmos más bien arrastrados (generalmente de base electrónica) de estructura simple y con alguna sorpresa dentro (cambios de tono, varios puentes etc.). Su voz es muy melodiosa, aguda pero con mucho cuerpo.

Os voy a poner el cuarto tema de su tercer disco, el Bachelor nº2 que ya he nombrado antes, una canción de largo nombre, "The Fall of the World's Own Optimist".

Talentos Precoces 1: Sondre Lerche

Con algo de retraso esta semana, ya que estoy de vacaciones con los enanos en la Costa Brava, cuelgo el tema de esta semana, dedicado a un cantautor que viene del frío, de Noruega (Bergen) concretamente, y con una mochila llena de conocimientos de jazz vocal y buen gusto.

Estoy hablando del amigo Sondre Lerche, que ya con 19 años nos dejó de pasta de boniato con el extraordinario "Faces Down". Temas compuestos por él, en el que él hace arreglos, toca la guitarra (siempre una Gretsch), y canta con una voz grave y aterciopelada tipo Lou Reed.

Aquí os cuelgo un divertido video del segundo elepé, "Two Way Monologue", que ya sacó con 21 años (todo un senior, vaya). Este elepé es de sonido más producido, y siempre manteniendo esas esencias antiguas, que hacen que te lo imagines siempre cantando delante de un micro de esos de alcachofa para patilleros y camisas de volantes...

Adam Green: el trobador irreverente

En este personaje se mezclan una voz de cronista adulto, grave y melodiosa, que hace que cualquier canción quede "vestida" de inmediato por muy sencilla que sea, y una actitud iconiclasta, tanto en los textos como en las estructuras de las canciones.

Arrancadas y paradas, cambios de ritmo, momentos de suspense musical... este hombre compone pequeñas perlas folk con una aproximación absolutamente lúdica, que hacen que te descubras con una sonrisa mientras vas escuchando.

Recomiendo el disco del 2005, Gemstones, y aquí os pongo la canción que lo abre, del mismo nombre.

Foxboro Hot Tubs: Otro Proyecto Paralelo

Y seguimos con los proyectos paralelos.

Sí, ya sé que aún no es lunes, y no toca colgar otro tema, pero es que mañana no tengo que madrugar y, bueno... hay tiempo para esto.

A lo que íbamos. Me recomendaron este disco hace unos meses: Foxboro Hot Tubs. Suena a garaje sesentero, guitarras afiladas sobre estructuras primitivas R&B. Y producido con mucho cuidado, con un sonido denso y antiguo, como de antes.

Y entonces, sorpresa! Componentes del grupo: Billie Joe Armstrong y Compañía. Son los Green Day! Una vez sabes esto, escuchas otra vez el disco y ves que realmente se parecen. El sonido es diferente: Green Day son guitarras con distorsión moderna, FHT tiene aire vintage por todos los lados: el eco, los amplis que aquí suenan más antiguos, los teclados que a veces hay, que son los típicos que sacan ese sonido que parece queso fundido... toda una producción de regusto añejo.

Recuerdo que cuando salió el Dookie de Green Day, en su día, me encantó, por su immediatez punk llena de melodías, lo que pasa es que sonó tanto por todos los sitios que acabé aburriéndolo. Gracias a los FHT, lo he vuelto a redescubrir.

Os pongo un tema, Stop Drop and Roll, que es con el que abren el disco. Suena a garaje 60s a muerte.



Y, ya que hoy estoy saltándome las reglas, os pongo también otro tema del disco, "Mother Mary", el single, más melódico y bailable.

Jingle Jangle Rickenbacker

Como os dije, no siempre iba a hablar de grupos que me gustan, sinó que iba a introducir otros temas -musicales, siempre- que son de mi interés.

Y uno de ellos, cómo no, es el tema de las guitarras. Ya sabéis, los guitarristas somos víctimas del G.A.S. (Guitar Adquisition Syndrome) que nos hace estar constantemente comprando y vendiendo guitarras, amplis, efectos y demás, en la búsqueda del TONO, ese grial que NO EXISTE, pero que nos da mucha vidilla.

Con lo que he decidido, relacionado con este, abrir una sección que llamaré "Tono", en la que hablaré de un tono determinado de una guitarra, ampli, o lo que sea, y pondré un ejemplo de ello.
Y voy a empezar por uno de los tonos más característicos, uno de esos que nada más llegan a tus oídos sabes perfectamente qué instrumento (que marca de instrumento) está sonando. Me refiero al Sonido Rickenbacker, ese clang-clang acústico conocido también por jingle-jangle. Tiene ese poco cuerpo de las pastillas de bobinado sencillo, con poco sustain, y comparado con con los otros tonos clásicos "Singles" (los de telecaster, stratocaster y las pastillas P90) és más percutivo y dulce, no tan agresivo y con menos sonido a "madera".

A medida que vayamos analizando estos sonidos, iréis entendiendo (espero) mejor las descripciones de los sonidos.

Uno de los típicos debates guitarrísticos es cual es el ampli que mejor se acopla a estos sonidos jingle-jangle: tradicionalmente el ampli utilizado es el VOX, que con su sonido gordo y agudo, le da cuerpo a este tintineo sin quitarle carácter. No obstante, como curiosidad, Roger McGuinn, uno de los apóstoles del sonido Rickenbacker, dice que como a él más le gusta es con el Roland JC120, ampli de transistores frío y de sonido comprimido. Y aquí, la opinión de un servidor, que ha tocado mucho su Rickenbacker 360V64/6 (la de la foto de arriba)a través de viejos Fenders (Showman y Bassman Blackface)y casí diría que es como más me gusta, le da más garra y presencia sin añadirle sustain.

Y para acabar este rollete, un ejemplo de canción con una base de sonido Rickenbacker: Thieves, de David Grahame.

Little Joy: Mi Disco del 2008

La verdad, sea por pereza, sea por desinterés, casi no sigo la escena musical actual. Encuentro pocas "novedades" que me exciten, las pocas cosas que salen que realmente me gustan huelen todas a antiguo y, como mucho, me hago con algún disco de los que sacan mis bandas de toda la vida.

Pero de vez en cuando me encuentro con alguna cosita fresca y recién editada, como me pasó hace unos meses con Little Joy, un disco de finales del 2008.

Un miembro de una banda brasileira, el batería de los Strokes y una cantante rubia que pasaba por ahí... se ponen a componer para pasar el rato, y les salen unos temas muy interesantes y frescos... Rock urbano de costa este en algunos cortes, rollo más latin-brasileiro en otros, y siempre esa voz lo-fi marca de la casa Strokes.

A veces es curioso como de colaboraciones espontáneas y proyectos paralelos surgen propuestas más interesantes que las que tienen los mismos grupos en sus bandas principales... supongo que será por eso, que cuando una banda ya no da mucho de sí por las razones que sean (agotamiento de la propuesta, exigencias estilísticas de la discográfica, etc.), que los miembros se buscan la vida para poder dar rienda suelta a sus nuevas inquietudes, que igual su plataforma habitual no les permite. A mí por ejemplo, el disco de Little Joy me parece una gran obra, y los Strokes me dejaron de interesar a partir de su segundo disco.

Os pongo un tema, Shoulder to Shoulder, con un tempo arrastrado y aire crooner-nostálgico de estar de vuelta de todo.

A ver si os gusta....

Sloan: la fuente inagotable

Estos chicos canadienses son el paradigma del montárselo mal en el negocio musical. Porque tienen talento a raudales, y son muy poco conocidos fuera de su país.

En mi opinión, la banda más completa del panorama: los cuatro componen, cantan, y son multiinstrumentistas. Se cambian los instrumentos en directo como si nada.

Los veo como una banda donde se encuentran los 60s y los 90s: en sí, sus primeros discos tinen una sonoridad muy oscura, muy noventera, pero siempre con melodías luminosas de buen regusto pop.

Son una gente que tiene tantos y tantos recursos, que a veces en un tema de 2 minutos y medio te mete dos puentes, un cambio de ritmo y cada vez que pasa por la estrofa le cambia alguna cosita en el ritmo y/o la melodía... Son una caja permanente de sorpresas.

Su discografía (9 discos) es impresionante toda, y yo recomiendo empezar por su disco en vivo "4 nights al the Palais Royal", grabado sin overdubs, todo un monumento al indie-pop.

Os pongo un tema, "Fading Into Obscurity", que es un buen ejemplo de la complejidad compositora de los amigos de Sloan, con tantos cambios que podríamos hablar incluso de algo así como "pop sinfónico"...

A ver qué os parece.

El Nexo de todo esto: El Tema de la Semana

He estado pensando estos días (vacaciones y tal) en cómo iba a organizar este blog, para hacerlo interesante a la gente y que a alguien le puedan dar ganas de seguirlo: he pensado que voy a hablar poco de mí, y mucho de música. De la música que me gusta, está claro.

Y lo voy a estructurar de la siguiente manera: cada lunes (o máximo martes) voy a hacer una entrada con una canción en especial. La voy a colgar, voy a explicar qué es lo me gusta/sorprende/encanta/interesa/remueve en él, y voy a dejarlo abierto a vuestros comentarios.

Estas entradas van a tener el Tag "Tema de la Semana", para que los podáis seleccionar rápido y discriminar de otro tipo de entradas, éstas ya más personales, que voy a ir intercalando, en las que hablaré de cosas más mías (siempre relacionadas con la música): guitarras y equipo, porqué no me sale ese solo, mis grupos, etc.

En sí, esta iniciativa del tema de la semana en este blog es una continuación de un topic que abrí hará pronto un año en un foro en internet, y que ahora ya casi no frecuento. Espero que ahora, al poderlo hacer "en abierto", pueda tener un poquito más de repercusión, y más gente me contacte y me recomiende cosas para escuchar.

Y así, aunque hoy no es ni lunes ni martes, sinó miércoles, empiezo la andadura del tema de la semana en Semidisminuidos con un tema del que sea, posiblemente, mi grupo favorito... Cual? En la próxima entrada, por favor.

Investigando el universo genealógico de Elliott Smith: Quasi

Elliott Smith empezó su carrera en solitario en paralelo a su trayectoria con la banda Heatmiser, que sacó varios discos muy interesantes en la segunda parte de los noventas (que grande es "Mic City Sons"!).

Y de Heatmiser surgió otra banda interesante: Quasi. Sam Coomes, bajista de Heatmiser, inició un proyecto con su pareja (de entonces) Janet Weiss a la batería, y él a los teclados, buscando un universo de sonidos tremendamente retro en un paisaje indie. Su discografía es muy irregular, y yo recomiendo tres discos: "The Sword of God", "Featuring Birds" y "Field Studies".

Os pongo un video de ellos en directo, para que veais la elegancia de su propuesta, siempre dentro de un enfoque sónico muy crudo.

Cantautores eléctricos

Mi gran debilidad... Brendan Benson, Freedy Johnston, Elliott Smith, Ron Sexsmith, David Grahame... hay tantos y tantos, y tantos aún por descubrir...

Mi querencia por el powerpop hace que esté bastante detrás de ellos, intentando descubrir siempre otro más...

Son gente que discurre bastante al margen de la industria, muchos con fuerte influencia beatleliana, que hace que basen sus sonidos en Rick / Casino + AC30, y que graben sus temas (y sus discos...) en estudios caseros, con pocos medios y mucha fuerza.

Aquí os dejo un tema del gran Brendan Benson, más famoso por su colaboración esporádica con Jack White en The Raconteurs que por su trayectoria en solitario. Sus temas parecen sencillitos, pero a la que intentas tocarlos te das cuenta de las raras y originales ruedas de acordes que utiliza, y las hace sonar tan naturales... "Tiny Spark" es el tema que os propongo, uno de mis favoritos. En sí, lo toco en mi grupo de versiones, "The Killer Cuñaos", del que os hablaré en otra ocasión.

La difícil primera entrada

Llevo ya varias semanas dándole vueltas al tema. Me decido, no me decido...

Y ya está, me pongo a teclear y rompo el hielo. Y os presento rápidamente mi nuevo blog, semidisminuidos, en el que le quiero dar rienda suelta a lo que son mis inquietudes musicales en general, tanto desde mi perspectiva de "oyente" como la de intérprete.

Pero que nadie se lleve a engaño, por lo de intérprete. Soy un aficionado anónimo como hay millones en el mundo. Con su trabajo habitual (consultor, en mi caso), con sus obligaciones familiares (tres hijos de 11, 9 y 5 años), y con un tiempo escaso que administro como puedo para poder tocar y practicar.

Y esta bitácora, para qué? Pues porque siempre he creído en la música como algo para compartir. Tengo un círculo de amistades musicales con las que intercambio material y comentarios contínuamente, que me hace descubrir nuevas bandas, nuevas canciones, y que hace que mi espectro de alegrías musicales vaya aumentando contínuamente. Y de la misma manera en que quiero dar a conocer algunas bandas -que voy a procurar que no sean del mainstream, para poder sorprender a más gente-, también pretendo que, a partir del diálogo que permiten estas plataformas de la blogsfera, me recomendéis grupos, canciones, para yo poder seguir disfrutando con más y más cosas.

También quiero colgar temas (enlaces a youtube, a goear) que me gustan, y lo quiero hacer con una cierta regularidad, indicando qué es lo que me gusta y/o sorprende de ellos.

Y como primera carta de intenciones, os cuelgo un vídeo de uno de mis artistas favoritos: Elliott Smith. Tocando, a pelo, un tema de los que me ponen la piel de gallina, el Waltz número 2. Este hombre irrumpió en la escena a mediados de los 90, cuando se aventuró a, fuera de su banda habitual "Heatmiser", empezar a grabar cosas en solitario. Su momento de gloria fué cuando ganó (o no llegó a ganar, pero da igual)un oscar por su tema "Miss Misery", incluido en la banda sonora del Increíble Will Hunting. Murió en 2003, con 34 años, en el cénit de su carrera (de momento, sólo había hecho que mejorar).

Su disco más completo es, en mi opinión, el XO pero, para empezar, creo que es mejor el "New Moon", disco postrero de rarities y deshechos que es una auténtica delicia.