Gabinete Caligari: Rock Torero

En el Madrid de los 80s surgieron, de lo que se llamó "La Movida Madrileña", multitud de bandas cantando en castellano, tomando los esquemas de la música anglosajona como referente (punk, nueva ola, rock'n'roll...) y llenando los garitos de la ciudad de bolos noche tras noche. De aquella época son los Radio Futura, los Kaka de Lux y Los Secretos, pero también había muchísimos más: Derribos Arias, Los Millonarios, Parálisis Permanente, y un largo etc.

Como denominador común, estas bandas tenían la inmediatez. Por eso igual en Barcelona este movimiento no fué tan potente: por estos lares el discurso musical siempre ha sido más elaborado (música laietana, progresivo, etc.). De aquella época, aquí había, de renombre, Los Rebeldes, Loquillo y El Último de la Fila. Todo lo que sonaba fuerte estaba en Madrid.

Y hoy os quiero colgar un tema de un grupo de los grandes de esa época, los Gabinete Caligari, que consiguieron darle un tono castizo y cañí a su oferta que los diferenciaba muy mucho del resto. Tanto en el discurso musical como en las letras, siempre notamos ese elemento de tradición española que los caracteriza.

Y os voy a colgar un tema muy representativo de su singularidad. Un tema de su EP "Cuatro Rosas" (1984) en el que un hombre reta al juez a decirle si es un homicidio el matar a su mujer por celos. Puerto Hurraco Blues, vaya.

JSBX: Astros del directo

The Jon Spencer Blues Explosion. Una de las máquinas de directo más impresionantes que he visto en mi vida. Recuerdo un bolo en que los vi en Bikini en 1996, con la gira del "I got worry " (elemento imprescindible en cualquier discografía rocanrolera)en que me quedé de piedra: más que un concierto con canciones, aquello parecía una experiencia con un pastor evangélico salvaje dando proclamas a lo James Brown, gritando, aullando, y con una máquina del ritmo detrás (una minibatería que perece de juguete y Judah Bauer, el mejor fabricante de riffs de la historia, con una telecaster)que iba empalmando los temas sin descanso. Todo eran medleys, proclamados a gritos por el gran showman Spencer, energía en bruto.

Os pongo un vídeo de la época, grabado en un ambiente frío como puede ser un programa de variedades de la tele, para que veáis la catarsis que este trío (sí, un trío, dos guitarras y baetría, pasando de bajo y haciendo ruido con un theremin) es capaz de crear. Trasladad esta ceremonia a una sala de conciertos de tipo medio, y eso ya es el nirvana total.

Versión Original 2: Lounge vs. Britpop

Volvemos con los experimentos de entre semana. Esta vez con una versión muy curiosa de uno de los himnos del britpop.



Y mientras lo vais escuchando, os explico un poco la historia de este señor, Mike Flowers, que parece sacado de una película de Austin Powers. Este señor tenía una orquesta de 13 miembros, cuando le pidieron hacer una versión de "Wonderwall" (la que estáis escuchado) para sacarla en Radio 1, y hacer el chiste de que era el original. Tuvo tanto éxito y demanda, que grabó un disco (el único que tiene) lleno de versiones de clásicos del pop en versión "música para ascensores de hotel de lujo". Después desapareció del mapa.

Y aquí el original de Oasis (que por cierto, no me gusta nada), para que podáis comparar. Tambiénes verdad que a los Oasis les tengo una cierta manía, con su pose de superartistas-rebeldes-que-destrozan-habitaciones-de-hotel.

Eels: Mr. E., el más enigmático

Mark Oliver Everett, más conocido como E., es el compositor/cantante/alma mater de Eels, un proyecto con más de 15 años de vida que, a día de hoy aún sigue sorprendiendo.

Con un trasfondo siempre marcado por la tragedia (su madre, su hermana, su mujer, todas han muerto en un breve espacio de tiempo), su música puede ser tremendamente luminosa (como ejemplo el que es para mí su mejor álbum, "Daisies of the Galaxy") u oscura e incómoda como unas friegas de papel de lija (ejemplos de álbumes de este estilo, "Souljacker" y "Electro-Shock Blues"). A veces llega a registros tan extremos que pueden llegar a ser disonantes y desagradables al oído, pero nunca te dejan indiferente. Siempre hay sentimiento.

Os voy a poner un tema muy sencillo, casi infantil, piano, voz y arreglos de cuerdas, que a mí siempre me ha llegado muy adentro. El autor habla de sus sueños de infancia, de su primera declaración de amor, de los paseos por el parque con su novia de juventud, y lo hace con una voz de falsete que da una idea de descripción idílica. Pero a continuación dice que tiene una memoria selectiva que no le deja recordarlo. Es una manera superpoética de decir que está roto por dentro, y que no puede ver más allá de su dolor. A mi me estremece cuando, en el estribillo, cambia su voz a un tono más grave y crudo, y dice "I wish I could remember, but my selective memory won't let me".

Con este tema cierra el "Daisies from the Galaxy", su tercer disco, el más completo en la opinión de este cronista.

Sloan: tema luminoso sobre cómo se imagina uno su vejez

Estos chicos de Sloan tocan tantos palos diferentes que da miedo. De Beat sesentero a sonido oscuro 90s, hardrock... lo que quieran.

Temas que, siempre bajo una estructura más bien pop, circulan de forma bastante particular por la estructura clásica estrofa-estribillo, sempre buscando un giro adicional a cada vez que la canción pasa por el mismo sitio. Un cambio de acento, un coro estructurado diferente, un fraseo nuevo...

Y ahora os voy a poner un tema, de lo más standard que tienen, donde hay también algunos de estos cambios, pero en menos cantidad. Pero es que es un tema que me gusta muchísimo, y que habla de un tema muy bonito: con quién quiere envejecer uno.

Como se lo imagina, como quiere que sea o, como dice la canción, no será que me estoy simplemente mintiendo a mí mismo hablando de estos ideales?

Es un temazo. El único single de su "Action Pact", el disco más rockero que han sacado nunca.

Elvis Costello: Un Tema desgarrador sobre los celos

Otra tema de esos que te dejan la piel de gallina. Empieza con una parte con un arreglo musical como de nana, en la que el cantante dice que la quiere a muerte, que le da miedo todo lo que la quiere, y que cualquier cosa que no sea decir que la quiere es desaprovechar su aliento (a waste of breath).

Después empieza el tema, y habla de que ella ya se ha divertido, pero que se harte por favor ya de hacerlo. Que piense en el, solo en casa, queriéndola, mientras ella esta fuera, que se imagina al otro desnudándula y se estremece hasta la médula, pero que quiere ir hasta al fondo con ella, incluso si se tiene que quedar en el fondo del agujero.

Una declaración de amor llegando a límites autodestructivos.

Y el tono de la canción es igual. Sentido a muerte. Y con ese solo sólod e dos notas casi disonantes, en las que oyes el dolor del hombre abandonado a los celos, enamorado hasta la médula, que le dice a su pareja que, por favor, deje de hacerlo.

Este tema es uno de tantos impresionantes que hay en el Blood and Chocolate (1986), disco considerado menor para los especialistas, pero uno de los que más me gusta.

Brendan Benson Una canción de Amor Puro

Este es un tema que siempre me llega muy adentro. Una declaración de amor puro. Muy simple. Un chico le dice a su chica que él solo sabe escribir canciones, pero que es la manera en que mejor se expresa. Y que quiere corregir todos sus errores para poder volver a casa con ella, y poder llamar a la puerta y decir: "Soy yo, ya puro". Que lo que le ha pasado es ya cosa del pasado, que promete mejorar y dejará ser un descarriado. Y llamará a la puerta y dirá "Soy yo, ya puro". Y que su mala suerte (le llama un cáncer) por tener tanta veneración por las mujeres guapas se habrá acabado, y volverá a casa limpio y arrepentido, diciendo "Soy yo, ya puro". Sabe que esta es ya su ultima oportunidad, pero está dispuesto a apostar fuerte para poder llegar a casa y poder decir "Soy yo, ya puro". Sabe que las cosas las puede cambiar, pero que dependen de él, y tiene que luchar para poder volver a la puerta de su casa y poder decir "Cariño, soy yo, ya puro".

Este tema esta fuera de la onda habitual de este cantautor, que generalmente pisa terrenos más rockeros (se nota en el puente del tema), pero, en mi opinión, lo borda. Es un tema mucho más "sentido" que los de su producción habitual, con lo que supongo que igual se refiere a algun episodio personal que vivió.

Sus álbumes "One Mississipi", donde está este tema, "Just Purely", y "Lapalco", con dos totem en mi discografía.

Elliott Smith: la herida abierta

Ya hace casi siete años que nos dejó, quitándose la vida a los 34 años. Es mi Dios musical particular.

No hay músico que consiga emocionarme como lo hacen sus canciones. Un hombre roto por dentro, lleno de sensibilidad, que creaba una música que rezuma belleza y tristeza de una forma indescriptible. Música que siempre sale del corazón, a borbotones de sentimientos profundos y auténticos.

Componga en tono o mayor o menor, su tristeza se ve. Y no es una tristeza impostada, como la de las canciones de MUSE, en la que parece que estén encantados de presentar se como "soy un hombre con muchos problemas", o como el desaparecido Antonio Vega, que se convirtió en un muñeco que vendía imagen de descarriado como la Cocacola vende burbujas. Si aceptó que, en vida, se le hiciera un disco homenaje llamado "Ese chico triste y solitario"! Patético, no? El infierno personal de un artista como bandera marketiniana.

No, Elliott Smith es otra cosa, es dolor auténtico y sin tapujos. Son canciones que te llegan hondo, hondo al corazón. Todas. Hay temas de grandes autores que te pueden llegar muy adentro y cambiarte te estado de ánimo de forma radical ("I want you", de Costello, desgarradora crónica de un hombre enamorado que descubre que su pareja ya no lo quiere, "Qualsevol Nit pot sortir el sol" de Sisa, descripción de un mundo onírico, infantil y puro, en que la amistad está por encima de todo), pero el universo de Elliott Smith es tan desgarrador que todas sus canciones son como un golpe al corazón. Algunas más, algunas menos, pero no hay tema de este hombre no me toque en lo hondo.

Y no he sido capaz de encontrarle un sucesor. Ahí os ruego que me ayudéis. Ron Sexmith es melancólico, pero almibarado. Paul Kelly es crudo, pero tiene una voz atiplada que no llega al corazón. Josh Rouse es también susurreante, pero poco profundo y demasiado luminoso. Jason Collet es acústico, pero alegre. Ferraby Lionheart es demasiado frío. Y así, tantos y tantos. No he encontrado nadie que le sustituya. Y de verdad que lo busco.

Os pongo dos temas, primero "Bled White", de su monumental "XO". Un tema en tono mayor, pero que rezuma sentimiento. Y también os pongo "Between the bars", de su también enorme "Either/Or", un tema que es una herida abierta.

Componer jugando al parchís

Hete aquí la curiosidad que me he encontrado esta semana. Una máquina para componer temas que se utiliza poniendo fichas sobre un tablero.




Me parece un artefacto muy ingenioso, pero que igual desvirtúa el proceso de creación musical, mostrándolo como un fácil y simple juego de niños. Igual con la música electrónica es así (tampoco lo creo), pero os bien aseguro que componer es lo más difícil que existe. Más que tocar cualquier instrumento. O que la física cuántica.

Os pongo los comentarios de sus inventores, para que veáis lo que persiguen con este aparato.

"Esta experiencia interactiva surge a partir de nuestro interés por estudiar las relaciones que aparecen espontáneamente para alcanzar un objetivo común - en este caso, el de construir una composición musical.

Se trata de una experiencia de exploración musical en la que uno o más participantes interactúan simultáneamente con un sintetizador de sonido utilizando diferentes marcadores que colocan y desplazan sobre una superficie multitouch. Cada marcador está asociado a un conjunto de sonidos y hay grupos de marcadores que reaccionan de manera distinta ante el usuario, representando diferentes familias de instrumentos dentro de la composición.

Unos marcadores funcionan como disparadores de un secuenciador, otros funcionan como instrumentos solistas (de manera similar a un KaossPad), mientras que otros están pensados para añadir diferentes capas de sonido (lineas de bajo, coros, etc) sobre las que improvisar. Los marcadores son sensibles a su posición y orientación, pudiendo desplazarse o girarse sobre la mesa para alternar entre diferentes efectos o secuencias de sonido, ofreciendo un gran grado de control a los participantes.

La experiencia está diseñada desde el principio para aunar sencillez de uso y versatilidad, envolviendo un sintetizador de sonido con una interfaz muy potente pero inmediatamente accesible para todo tipo de público. Es además un diseño muy adaptable, permitiendo incorporar diferentes estilos de música en función del evento en que se desee utilizar."

The Zutons: Atmósfera de Serie B

Estos señores ingleses consiguen que todos sus temas tengan un aire particular y propio. Yo, personalmente, cuando oigo sus canciones, me imagino persecuciones de polis y gángsters en el Chicago de los años 30. O una película de alienígenas de Ed Wood. O una producción de bajo presupuesto de Roger Corman.

Estilísticamente son pop, powerpop incluso, pero lo que más les caracteriza es la creación de estas atmósferas que suenan muy antiguas y crooners. Como si fueran canciones "en blanco y negro".

Me es difícil describirlo. Escuchad este tema, "Zuton Fever", y a ver si se entiende mejor a lo que me refiero.

Sólo tengo su primer disco, "Who killed the Zutons...", de 2004, y tienen un par más, que me los debería de agenciar.

El Facebook de Semidisminuidos

Ya hemos dado un pasito más: he abierto un Grupo de Facebook para este blog. Y por qué? Por varias razones: La primera y más inmediata es para darle visibilidad a este blog. Ahora mismo no hay herramienta más potente en la red para dar viralidad a un contenido o evento, y la verdad es que este blog está muy falto de vidilla: escribo uno o dos posts a la semana desde hace casi un año y las visitas son muy contadas. A ver si esto hace aumentar el tráfico.

Por otro lado, y siempre persiguiendo crear un mayor interés y, por lo tanto, más aportaciones en forma de comentarios (tremendamente escasos hasta ahora), voy a intentar lanzar alguna iniciativa (concurso?, CD de temas del blog?, sorteos?), y el Facebook es una buena herramienta para anunciarlos.

De momento tengo que aprender a llevar esta herramienta, que de tantas posibilidades que da, abruma. De momento voy a intentar enlazar los contenidos del foro para que queden colgados en el muro del Facebook. Será eso posible? Me pongo manos a la obra.

Sí que agradecería que, quien sea seguidor de este blog y tenga abierto un perfil en Facebook, aproveche para darle difusión recomendándolo a sus amigos.

La dirección Facebook es http://www.facebook.com/home.php?#!/group.php?gid=116983711655913, y se llama "Semidisminuidos. blog musical".

Versión Original 1: Lounge vs. Heavy Metal

Se me ha ocurrido iniciar una nueva sección para estos posts tan complicados de entre semana, más basados en curiosidades musicales que en un tema o canción determinado. Y se va a llamar "Versión Original", y en ella voy a poner... pues precisamente eso, versiones originales, o sea, versiones de canciones en las que haya una larga distancia sónica entre la versión y el original, que son las que tienen gracia. Sinó, qué es lo que aportan?

Siempre me ha sorprendido esa gente que graba una versión para lanzar al mercado (otra cosa son los grupos de versiones, que básicamente viven de los bolos) y la hacen calcada al original. Cuál es el sentido? Y, más fuerte aún: Por qué la compra el público? Un caso reciente es la pequeña Flores, Rosario, que ha grabado una versión calcada de la canción "No dudaría" de su hermano Antonio. Aparte del morbo necrofílico, qué interés puede tener esa canción? Y hago esa pregunta a los que les guste esa canción, que no es mi caso.

Bueno, pues en esta sección lo que quiero mostrar son ejemplos de exactamente lo contrario de eso. Temas que, a partir de la idea de otro, se hayan reinventado para tomar derroteros absolutamente diferentes.



En esta sección colgaré dos temas, y el secreto es poner el primero a sonar mientras se lee el texto. Cuando haya acabado el primero, se pondrá el otro, y se verá cual es la diferencia. Aún no tengo claro en qué orden irán colgados: esta semana pongo primero la versión, para que la gente no se espante.

Como véis, el tema de los Cardigans es de tipo "angelical", llena de luz, con una instrumentación elegante y una voz muy delicada. Lo único que patina es la súbita ralentización del ritmo cuando llega el estribillo. Esta ralentización, a mi entender, es lo que delata que este tema viene de otras aguas, las del heavy metal, en las que los cambios de ritmo son mucho más normales.

Una vez hayáis acabado de oir la versión de los Cardigans, entonces preparaos para lo bueno, abrochaos los cinturones y escuchad el original:



Qué diferente, verdad? Ambiente oscuro, riff obsesivo, guitarras con fuzz (más que overdrive), voz de registros histéricos... Puro Black Sabbath de época Ozzy.

The Laughing Dogs: Un reciente descubrimiento.

Hará unos seis meses, César, mi cuñado (y una de mis mejores antenas musicales) me comentó que había descubierto una banda "con una mala leche que parecía que mordían las cuerdas al tocar". Esa definición es suficiente para mí. Me puse a buscar y, menudo pedazo de banda!

Pertenecientes a lo que es, para mí, era dorada de la nueva ola (79-81), los Laughing Dogs son una de los múltiples bandas que pululaban alrededor del CBGB. O sea, punk neoyorkino. Pero es que, además, mezclaban elementos pop, beat y hasta AOR en sus temas, creando un pastiche delicioso con muchas melodías cantadas a dos voces mientras una sección rítmica demoledora hace que los temas caminen de miedo...

Grabaron dos elepés con Columbia, en 1979 y 1980. Aunque los dos están considerados grandes discos, a mi el primero me encanta y el segundo me deja bastante frío, con lo que mi recomendación queda clara.

Os pongo un par de temas de su primer disco, que representan los dos extremos de su estilo. El primero, Reason to Love, es un medio tiempo de estructura sencilla y un estribillo de acordes inesperados (menores cuando los esperas mayores, mayores cuando crees que vienen menores) que hace que el tema presente ciertas dosis de tensión.



El segundo, del que os cuelgo un video en directo, es de "I need a million", propuesta ya más cercana al punk, tremendamente energética pero llena de matices (el "oooh" en el coro es alucinante)y con mucha melodía. Nueva ola en mayúsculas.

Víctimas del Sello Titan 2: Gems

The Gems eran una banda de Kansas City, Missouri, cuya total discografía consiste en un single editado por Titan, con dos canciones, "Save your Money" y "Did'nt like it anyway". Como todas las bandas integradas en este sello, tenían talento a raudales, siempre siguiendo un cauce común de melodía y fuerza: power pop. Y como todas esas bandas, su talento no se pudo transformar en una carrera musical, dada la impericia que demostraron Mark Prellberg y Tom Sorrels para el negocio musical.

Tenemos suerte de que ahora se hayan reeditado todas las grabaciones de este sello en un doble CD, para podernos deleitar con temas que hasta ahora han sido valiosísimos singles difíciles de conseguir.

Os propongo un tema de Gems incluido en esta recopilación, una maqueta con una canción llamada "Cry" que nunca se llegó a editar en vinilo.

Competición de Vozarrones: Sinatra vs. Cash

Cual es mejor de los dos? El caballeroso Sinatra? El Quinqui de Cash? O ninguno? O los dos? O es una pregunta estúpida como tantas?

Personalmente, soy de la última opinión. Ninguno es mejor que el otro, si acaso te gusta más uno que el otro, y eso es personal e intransferible.

Sinatra es meloso y suave, con registro de barítono, y Cash es crudo y con voz rota, y su cuerda es el bajo.

Y para que podáis comparar sus voces y decidir vosotros sobre cual preferís, os pongo el mismo tema, "Love's been Good to Me", en la versión de cada uno.

Y a mí me gusta más Cash.

Freedy Johnston: el Granjero Cantautor

Uno de mis cantautores favoritos, de sabor muy americano. Granjero en Kansas, tuvo incluso que venderse parte de sus tierras para poderse financiar su segundo disco.

Y ese sabor de campo está muy presente en su música, que es más country-pop que nada. Y nada complicada. Sin giros sorprendentes, con ruedas de acordes previsibles, pero que, en mi opinión, transmiten una tensión muy suficiente. Una voz muy peculiar, aguda, rota, y muy melodiosa, sabe envolver sus canciones para emocionar a tope.

De su extensa discografía, que empieza a principios de los 90 con temas bastante oscuros que, disco a disco, van recibiendo cada vez más luz y una producción más acabada, yo os recomiendo sus discos "This Perfect World", del 94, y "Never Home", del 97. Del primero os pongo el segundo corte, "Evie's Tears". Como curiosidad, en este disco van dos versiones de la misma canción: "Evie's Tears" es eléctrica y rápida, y "Evie's garden", siendo el mismo tema, tiene diferente letra, es lenta y acústica.

Autos Detroit: Desfloración en Directo

Al final, después de más de un año metidos en el local de ensayo, nos hemos estrenado en directo.

Compartimos escenario con la gente de Triángulo Stereo, supersolvente trío de sonidos 90s y oscuros, para asegurar un poquito de entrada, que en estos casos, ya se sabe, de toda la gente que te ha dicho que te va a venir a ver cuando hagas un bolo, no viene ni el 10%.

Creo que no tocamos mal, para lo nerviosos que estábamos: Pedro no tocaba desde hacía 15 años, yo desde hacía 9, Alfonso, el bajista, desde no se sabe cuanto, y el único que iba rodado era César, el batería. El único pero fué la sonorización, que no nos acompañó, pero bueno, lo importante era intentarlo.

Os cuelgo un tema de Pedro, "When you know", bastante agradecido para mí, ya que no me hacen solear en él. El que va con la camisa de tocador de maracas a topos y con Rickenbacker y va todo el rato haciendo saltitos, soy yo.

Pezband: Power Pop 70s con almíbar

La banda con, posiblemente, el nombre más feo del mundo: Pezband. De la misma ciudad que Cheap Trick, están más cerca, a mi entender, de los Raspberries de Eric Carmen que de la troupe de Rick Nielsen, a los que siempre se les pone de referencia. Tienen más melodía y menos riffs demoledores.

Están en ese escaso núcleo de bandas que coquetean con el pop desde estructuras hard rock, como Badfinger, Big Star o Artful Dodger. En sí, el término Powerpop nace con estas bandas, después se estira hasta abarcar la new wave y todo el postpunk.

Esta banda tiene cinco elepes, editados entre 1977 y 1981 y, en mi opinión, con hacerse con el primero es suficiente.

Os pongo un tema "Tracer", en el que se puede ver la interesantísima voz de Mimi Bettinis y las cabriolas que hace la línea de voz.


Pezband - Tracer

Brazil 60s Nuggets, la Caja Virtual

Para los aficionados a la psicodelia, la palabra "Nuggets" es mágica: significa recopilaciones realizadas por el sello Rhino con exquisito gusto y magníficamente documentadas.

Hay cinco cajas de Nuggets editadas, dos de psicodelia más garajera para la segunda mitad de los 60s, una con el revival garajero de principios de los 80s, y dos más, más recientes, selladas más hacia el hippy rock californiano, una centrada en LA y la otra en San Francisco.

Pero a mí me falta otra caja, y esta aún no ha estado editada: la psicodelia sesentera brasileña. Y esperando a que Rhino se decida, ha surgido una caja "virtual", sólo adquirible a través de la mula, con 6 CDs y más de 170 canciones, la Brazil 60s Nuggets. Multitud de bandas (el formato estrella de este tipo de grupos era el single) que una comunidad google se ha dedicado a compilar con mucho gusto. Viene con las carátulas e incluso con una caja recortable para que te puedas hacer un packaging decente en casa.

Os pongo un tema de "Os Megatons", "Meu Machucadinho", canción alegre, con cierta dosis de folk escondida entre aromas lisérgicos.


Os Megatons - Meu Machucadinho

Un Video de lo más ingenioso

Es el primer video que os cuelgo como tal, y supongo que pasará bastante tiempo hasta que cuelgue otro. No tienden a gustarme. O relatan una historia, que me da pereza seguramente seguir (como relatas algo en 3 minutos con suficiente chicha y con desenlace?) o ponen al grupo tocando en diferentes localizaciones, con lo que son bastante aburridos.

A veces me entretengo viendo videos de esos de metal extremo, que me parecen tan patéticos que me entretienen mucho, con temáticas mononeuronales a base de monstruos, insectos, sangre, y músicos con la cara pintada de blanco. En principio tienen que encogerte el corazón, pero a mí me parecen divertidos, ridículos y risibles. Son como unos teleñecos gore.

Y me gustan los que me hacen reír. Como este. De Quimi Portet, más famoso por ser "la otra mitad" de los Ultimo de la Fila. Desde que ese proyecto se acabó, anda sacando discos bastante divertidos, sin pretensiones y entretenidos.

No soy un gran fan de este hombre, pero el otro día tropecé con este video y me reí un buen rato, y lo quiero compartir con vosotros. Como una canción bastante regular se puede salvar con un vídeo ingenioso, hecho con un presupuesto mínimo y muchísima imaginación.

Heatmiser, la semilla de Elliot Smith

El primer disco de Elliott Smith, "Roman Candle" surgió como un proyecto paralelo en solitario de uno de los dos líderes de Heatmiser. Y es curioso que la trayectoria de este grupo haya quedado en los cajones oscuros de la historia, sin ningún tipo de repercusión mediática, ni como la banda de origen del gran cantautor eléctrico.

En ella componían tanto Neil Gust como Elliott Smith, y se nota mucho en sus discos las diferencias en la autoría de los temas, haciendo sus discos incluso algo inconexos, con temas oscuros, rápidos y punk (de Gust) y los temas punk-folk más típicos de Smith.

Yo os recomiendo haceros con su último disco, del 96, "Mic City Sons", en que los temas de Smith ya empiezan a tener un peso importante. Para mí, los otros discos son demasiado punk-90s, que no es mi estilo.

Os pongo "Pop Song in G", noveno corte del mencionado LP, de típica factura Smith: melodías sentidas en una atmósfera llena de distorsión, con el solo simplemente siguiendo la línea de voz.

Gram Parsons, espina dorsal del Country Rock

A mí el country siempre me había parecido una música aburrida, cantada lánguidamente por intérpretes gangosos y llena de aburridos violines. Y en esa opinión estaba hasta que escuché el "Almost Blue", de Elvis Costello. Que me encantó. Y era un disco de clásicos del country, que me hizo empezar a investigar a los diferentes autores que allí estaban interpretados: Buck Owens, Hank Williams, Don Gibson, Merle Haggard y, al gran Gram Parsons.

Gram Parsons. El genio del Country Rock. El que, vestido de hippy, tocaba canciones country & western desde una formación de rock. Y que llevó, al final de su carrera en sus discos en solitario, a una mezcla de géneros tan bien empastada, que ya no parece una fusión de nada, sinó un estilo propio y bien definido.

Empezó, mientras estudiaba Teología en Harvard, con la Yellow Submarine Band, con la que hizo un disco. Este podría ser el primer disco de country rock de la historia. Estamos en 1968. Rápidamente, Parsons entra en los Byrds para hacer un disco, "Sweetheart of the Rodeo", que ya no es folk-psicodélico, sino country-psicodélico: este chico moldeaba hacia sí todo lo que tocaba. Después montó con Chris Hillman (ex Byrds) los Flying Burrito Brothers, con los que hizo dos discos, el excelso "Gilded Palace of Sin" y el más rockerillo "Burrito Deluxe". Dos discazos de morirse de buenos.

Después se lió la manta a la cabeza (parece ser que era un tipo bastante difícil de aguantar) dejó a los Burritos y empezó una carrera en solitario, también marcada por su sino particular: muy buenas críticas y pocas ventas: "GP" en 1972 y "Grievous Angels" en 1973. Sublimes. En Septiembre de 1973 moría por sobredosis, su cadáver era robado e incinerado en el desierto por su mánager.

Genio y figura hasta la sepultura.

Y desde entonces su leyenda, influencia y reconocimiento no ha hecho más que aumentar.

Os recomiendo haceros con las ediciones conjuntas de los dos discos que hizo con los Burritos, que van en un solo CD, y la de los dos discos en solitario, también en un solo CD. Por 25 euros máximo, el 80% de la obra de un genio.

Y aquí os cuelgo un tema del primer disco de los Flying Burrito Brothers, I'm your Toy. Mirad como la estructura es la de una balada rock, pero la instrumentación con una guitarra supercomprimida para imitar a un pedal steel y el modo de cantar (también gangoso) huelen a country and western.


The Flying Burrito Brothers - Hot Burrito #1 (I`m Your Toy)

La canción de un solo acorde

Sólo conozco una. De dos acordes hay muchas (fundamental y quinta, por ejemplo), de tres ya hay infinidades, el 98% de los blues, por ejemplo. Pero canciones con un acorde sólo conozco esta.

Y es capaz de mantener la tensión durante cuatro buenos minutos. Impresionante. Y por qué? Porque los instrumentos dialogan entre sí, haciendo pequeñas melodías, que a uno le dan la impresión de que la canción va evolucionando. Pero de eso nada. Empezad a rascar un la sostenido menor, y la hacéis toda enterita. Sí, señor. Sin cambiar ni un momento.

Un monumento a la simplicidad. Un monumento a la sabiduría: qué fácil parece y qué difícil es!

Ha muerto Mark Linkous, el Sr. Sparklehorse.

Estaba ayer pensando qué tema iba a colgar esta semana, cuando esta mañana he recibido la triste noticia de que Mark Linkous, o sea, Sparklehorse, se ha suicidado.

Lo primero que he pensado es que ser cantautor eléctrico norteamericano y dar fin tú mismo a tus días es territorio bastante común: Elliott Smith, Vic Chestnutt, y ahora este hombre.

También es verdad que las canciones de estos tres seres autodestructivos destilan tristeza a raudales. Algunas de Vic Chestnutt son más soleadas, pero tampoco demasiadas.

Sirva el tema de esta semana como homenaje a este autor. Sunshine, de su segundo disco "good Morning Spider".

Y al que le guste, que se haga con el debut de Sparklehorse, "Vivadixielandsubmarinetransmissionplot", un disco complejo, difícil, enigmático y maravilloso.

Sparklehorse - Sunshine

Hoy avanzo la entrada que correspondería al lunes que viene. Razón? Voy a estar de viaje... me voy a San Francisco! Es la primera vez en mi vida que visito los Estados Unidos, y estoy muy ilusionado.

Todo (o casi todo) a lo que se refiere a cultura popular occidental del siglo XX viene de allá. Y yo sin haberlo pisado nunca!

Y como pequeño homenaje, os voy a colgar un tema de mi banda favorita de San Francisco. Los Flamin' Groovies. Un ejemplo de como vivir siempre desubicado. Haciendo rock'n'roll patillero y sudoroso en los 60s y primeros 70s, y reconvirtiéndose al pop cuando comercialmente menos convenía: en 1976. A pesar de su enorme talento, nunca se comieron un colín. Y es que si te dedicas a producir lo que el público no te pide...

Os propongo un tema, High Flyin' Baby, con el que abren el Teenage Head, LP del año 71 en que se muestran en toda su fiereza.

the flamin? groovies - high flyin?baby

Nos estrenamos ya en directo!

Al final, después de casi un año metidos en el local de ensayo, nos atrevemos a presentarnos en público.

22 temas propios. Ahí es ná.

Qué ilusión y qué nervios....


Te espero en viernes 26 de marzo (ya tendré 43...) en l'Ovella Negra. Tocamos con los amigos de Triángulo Stereo.

The Mockers: Little Girl Blue

The Mockers (no confundir con Los Mockers, impresionante grupo de garaje uruguayo de los sesentas) son unos de los infinitos combos de powerpop existentes de los que se pueden rescatar algunas cancioncitas de cada disco. Y poco más, en mi opinión.

Pero esas cancioncitas a las que me refiero me gustan mucho, pero que mucho.

Como os he dicho alguna vez, hay géneros (el powerpop, la discomusic setentera, el garaje sesentero) que más que de álbumes, funcionan a base de singles, por lo que es mejor funcionar a base de recopilaciones hechas por especialistas. De eso, por ejemplo, la gente de Rhino sabe un rato.

Y os pongo aquí la canción de the Mockers que, en caso de que a mí me encargaran escoger un tema suyo para una recopilación, elegiría para tal caso.

Little Girl Blue, un tema más cercano a la americana que al powerpop que generalmente factura esta banda.


The Mockers - Little Girl Blue

Ha muerto Doug Fieger

Aunque intento ser lo más ecléctico posible a la hora de presentar temas en este blog, mi principal querencia musical es el powerpop. Melodía y fuerza. Armonías e inmediatez. Coros y distorsión.

Y hoy he recibido la noticia de que ha muerto posiblemente la persona que llevó a este minoritario género a su nivel más alto en ventas: Doug Fieger, cantante y guitarra rítmica de The Knack. Que pasará a la historia por ser el compositor de "My Sharona", canción que, después de haberla oído seis millones de veces, sigue impresionándome por su fuerza.

Y, como homenaje os voy a colgar un tema que es, precisamente, la única versión que hay en su disco de debut, "Get the Knack".

Y la voy a poner porque en este tema se puede ver perfectamente cual es la nueva óptica que desde el powerpop se le quería dar al pop. Era, sin renunciar a las melodías, básicamente inyectarle vitaminas. Y eso es lo que hicieron con este "Hearbeat", tema que hizo famoso Buddy Holly a final de los 50s, y que es pop puro, casi una canción de guateque.

Y los Knack la releyeron así.

The Knack - Heartbeat

Versión actual de una canción religiosa

Vuelvo con las curiosidades de entre semana. En esta ocasión para presentaros un tema que ultimamente me tiene abducido: los Gozos de la Madre de Dios del Claustro de Solsona, en versión de Roger Mas.

De la misma manera que os dije, hace ya algunas semanas, que en los 80s y 90s el pop-rock catalán era un dechado de mediocridad, os digo ahora que el panorama actual goza de buena salud, con creadores arriesgados, frescos y muy interesantes. Que te pueden gustar o no, pero que se tiene que reconocer que son gente que está buscando un lenguaje propio, y eso me parece tan importante como que sean de tu agrado o no. Manel, Sanjosex, Roger Mas... nombres propios de esta tendencia a la que me estoy refiriendo. Y seguro que hay más (no soy un especialista), porque ahora prima más (por fin!) la calidad de la obra final que el simple idioma en que esté hecha.

Y hoy os pongo un ejemplo que muestra lo arriesgadas que pueden llegar a ser estas apuestas: una adaptación de unos Gozos de la Virgen de Solsona a un lenguaje actual. Un lenguaje actual que simplemente viste con un traje más de nuestros días a esta obra, pero que mantiene intacto su cuerpo, su esencia: sigue sonando a canto religioso.

Apoyando en una instrumentación mínima e hipnótica, usando una voz de bajo realmente melodiosa (que sube una octava a medio tema), esta obra va llenándose cada vez de más voces, hasta llegar a unos coros en sextas que te hacen imaginar a un grupo de monjes, en la oscuridad, cantando.

Como información, los Gozos eran los himnos que cantaban los monjes a la Virgen durante las fiestas patronales, ofrecidas en nombre de ésta.

Kraftwerk: el techno que surgió del frío

Mientras en Europa, en la primera mitad de los setentas, la juventud se dejaba el pelo largo y la música se convertía en desarrollos fogosos instrumentales y virtuosos, en Dusseldorf unos alemanes hacían un camino musical muy, muy particular. Si, Kraftwek eran alemanes, y hacían música fría. Pero así como el contemporáneo Krautrock (Can, Amon Duul...) podía ser música fría también basada en desarrollos instrumentales, en este caso no fogosos sinó sesudos, nuestros amigos de Kraftwerk hacían canciones, canciones tocadas sólo con sintetizadores y cajas de ritmo. Techno, vaya. Con estrofas, estribillos, y puentes. Y con melodía, aunque esta quedara a veces escondida tras efectos de vocoder y demás.

Su música es completamente atemporal y, prácticamente cuarenta años después, mantiene toda su frescura.

Os pongo un tema del Man Machine, su último gran disco, de 1978. Se trata de "We are the Robots", pero en una versión en alemán ("Die Roboter") que se sacó en single para Alemania.

Es curioso, porque este grupo, teniendo en cuenta mis querencias musicales, no me tendría que gustar nada: sin guitarras, sin batería, todo sintetizado, pero a veces los gustos no tienen lógica... Mejor así, no?

Sensacional Soul: Música Negra en la España de Franco

Esta semana os voy a poner no un tema, sinó dos. Dos temas de una compilación muy simpática que la gente del sello Vampisoul editó hará un par de años o tres, con cortes de música "negra" hecha en España entre 1966 y 1976.

Porque en España, en esa época, aparte de tener bandas que se dedicaban a traducir a nuestra lengua patria los éxitos de los Beatles y los Stones (Los Salvajes, Los Angeles) y componer temas siguiendo la estela de la British Invasion en general (Brincos, Sirex, Bravos et altri), también había bandas que tenían influencias más de color negro que blanco. Pero estaban en circuitos más minoritarios, y sus canciones no tuvieron tanta repercusión.

Pero también había gente aquí que escuchaba a la Stax, a la Motown, los sellos menores de Northern Soul, y que a la hora de componer basaban su música en estas influencias. Y esta recopilación, Sensacional Soul, contiene 37 temitas cortados por este patrón. Y ahora acaban de editar un segundo volumen, Sensacional Soul 2, que aún tengo en el estante pendiente de escucha, con otros 32 más.

Y os voy a poner dos temas. El primero, un instrumental muy en la onda Booker T & The MGs, llamado "Espejo Roto" interpretado por los "Martes 13". No he sido capaz de encontrar información sobre este grupo, pero supongo que no se dedicaron al humor posteriormente...



Y este es otro tema, "Vestido Azul", interpretado por los madrileños "Shelly y la Nueva Generación", un cruce de Salomé/Massiel/Conchita Velasco con Motown bastante curioso e interesante, y sobretodo, muy bailable.

Divertimentos Dylanianos

No sé si os habréis dado cuenta, pero desde hace unas semanas cuelgo, aparte del tema (que cae los lunes o martes), una entrada con alguna reflexión o curiosidad, siempre en clave musical. Y aquí os va la de esta semana. A ver si esto da más alicientes para que la gente vaya siguiendo el blog (y haga sus aportaciones, que esto es como predicar en un erial), que son dos entradas a la semana, oiga.

Y ahora os voy a hablar de cómo la gente puede reconocer sus influencias a la hora de componer, y cojo como ejemplo a Bob Dylan, uno de los músicos que ha dejado una impronta más indelebre en todo el discurrir de la música desde 1960 hasta hoy.

Las influencias se pueden reconocer de muchas maneras, y os voy a poner dos ejemplos. Uno representa el que no me gusta: hacer un calco del sonido de un autor, hasta lo caricaturesco, imitándole hasta los atributos más personales, sus giros al cantar, su instrumentación, etc. Y además no reconocerlo. Os hablo de Mouse & the Traps, grupo tejano de corta vida (1965-69) que realmente sacó muchas canciones memorables, pero que se cubrió de gloria con una canción, en 1965, que es una copia-copia de estilo dylaniano. Aquí la teneís:



En el otro extremo, os pongo un ejemplo de Joan Baez. Versiona el tema de Dylan "Simple Twist of Faith" en su memorable "Diamonds & Rust", y escuchad como homenajea al maestro en medio de la canción. Se ríe de él? Yo creo que no... Qué pensáis vosotros?

Muddy Waters, the London Sessions

Supongo que ya lo he dicho alguna vez: El blues me aburre. Me parece que está basado sobre unas estructuras demasiado básicas para poder mantener la tensión de forma más o menos contínua. Por eso hay pocos guitarristas de blues que me gusten: la pentatónica es una estructura tan limitada, que sacarle jugo es complicadísimo, y hay poca gente que la utilice de una forma que me haga vibrar.

Pero hoy hablaremos de blues. Porque siempre hay excepciones, y hay cosas que me gustan. Y mucho. Por ejemplo, Muddy Waters. Que por qué me gusta? Pues porque, aunque no se sale de los parámetros antes escritos, y que hacen de este género, el blues, un monumento a la monotonía, toca con mala leche. Una mala leche que, en mi opinión no tienen BB King ni John Lee Hooker. Pero bueno, todo son opiniones. Yo no he abierto este blog para sentar cátedra sobre nada.

Y quería hablaros hoy de un proyecto que empezó Chess a finales de los 60s, cuando lo más novedoso del género blues no venía ni del Delta ni de Chicago, sinó de Londres. Quisieron juntar a los grandes de los dos lados, para juntar el Savoir faire de los bluesman eléctricos americanos con las jóvenes hornadas de músicos de blues que salían en el Reino Unido. La primera entrega de este experimento fué el "Fathers and Sons", de Muddy Waters, en 1969.

Después, en diciembre de 1971, Muddy grababa este "The London Sessions" con Rory Gallagher, Steve Winwood, Mitch Mitchell, Georgie Fame y Rich Grech. Tradición y modernidad juntas. Grabado impresionante bien y con una fuerza tremenda.

En la caja "The London Sessions", del sello Zillion, que recomiendo fervientemente, vienen los discos que grabaron Muddy Waters, Bo Diddley, Chick Berry y Howlin'Wolf entre los 1970 y 1972.

Os pongo un tema de nombre precioso, "Who is gonna be your Sweet Man when I'm Gone", donde se oye perfectamente el contraste entre el sonido refinado de los ingleses y la aproximación más primitiva de Waters, con un solo de slide crudo y simplísimo.

Fastball, ejemplo de Déja Vu musical

Os voy a comentar un anécdota que me pasó hace ya unos años, concretamente en 1998. Un día enciendo la radio y sonaba una canción que me sonaba, me sonaba, me sonaba... esperé al final del tema para ver de quién se trataba, porque me tenía intrigado y además, la canción me parecía maravillosa. Nada, el tema acabó y pasaron a anunciar la siguiente canción, con lo que me quedé con la miel en los labios.

Os enlazo el tema ahora para que lo vayáis oyendo mientras continúo la anécdota.



Se me había quedado el tema en la cabeza, y me daba vueltas y vueltas, y yo todo era pensar si lo tenía o no, ya que me sonaba muchísimo.

Al cabo de unos días, en un momento que entro en un taller de automoción en el que había una radio encendida, allí estaba ella otra vez. Y otra vez recuerdo que no pude saber el nombre del grupo y la canción, porque esa emisora era de ésas que sólo anuncia los temas al principio.

Y al cabo de unos días, no recuerdo cómo, volví a oir la canción y pude saber su nombre: "The Way", de un grupo llamado "Fastball". Me quedé a cuadros. Cómo podía ser que me sonara tanto? Nunca había oído ese grupo, me era completamente desconocido. Qué cosa más rara...

Me compro el disco, el "All the things money can't buy", y me quedo tan prendado de él, que lo regalo a diestro y siniestro. Hasta que alguien (seria mi amigo Pep?) me dice al cabo de unos días de tenerlo...

Pero si "The Way" es un calco de XXX!

Ahora mira abajo, para ver qué es XXX:

































Sí, es "Bésame Mucho". Ya me sonaba el tema, ya, pero fuí incapaz de hacer la ligazón mental entre las dos canciones. Había sido un Déja Vu.

Richard Thompson, Maestro del Folk Rock

Y hoy entramos en un nuevo género, el folk-rock, estilo surgido a la vez a los dos lados del Atlántico durante la segunda mitad de la década de los 60s. Y con características bastante distintas en los dos continentes. Ahora hablaré sobre ello.

De forma simplificada, podríamos decir que el folk-rock es una electrificación y una puesta al día de la musica tradicional y popular, la que se cantaba y/o después del trabajo en el campo, en las fiestas populares, etc. Entonces, podemos entender que los resultados sean diferentes a los dos lados del océano, ya que la materia prima de la que partían era tremendamente diferente. A un lado música country blanca y blues negro, y al otro música celta. Así, en América tenemos a los Byrds, al Dylan eléctrico, a Stephen Stills, y al otro tenemos a Lindisfarne y Magna Carta. Gente que, reivindicando la mochila que lleva de música popular, deciden vehicularla con la nueva actitud que se deriva de los decibelios y la inmediatez que dan las guitarras eléctricas.

Guitarras eléctricas que conviven sin estridencias con acordeones, violines, zamfonas, laudes y toda la pesca, dependiendo si la banda está más decantada hacia el lado folk o hacia el lado rock.

Bueno, y para ilustrar esto, os voy a poner un tema de Richard y Linda Thompson. Richard Thompson, guitarrista y frontman de Fairport Convention, grupo inglés que, curiosamente, sonaba más a folk-rock californiano. En 1971 se fué de esta banda y grabó algunos discos memorables durante los 70s, algunos junto a su mujer, Linda Thompson.

Os propongo un tema, "I want to see the bright lights tonight", del disco del mismo nombre de 1973, un rock lento y vacilón, que nos da su dosis de terruño (folk-rock, te acuerdas?) con arreglos de trompetas a lo mariachi.

Guitarristas 2: Brian Setzer

Este es otro de los montruos de los que estoy esperando siempre en sus canciones a que llegue el solo.

Su estilo es un pastiche de rockabilly, blues pentatónico y jazz de tensiones complejas (novenas, treceavas, séptimas aumentadas...), interpretado con una actitud muy inmediata y punk, siempre acompañando la canción y no montando un discurso guitarrero independiente. Y con una digitación y una técnica de otro mundo. Un virtuoso en todos los sentidos.

Empezó a finales de los 70s con los Stray Cats, formación rockabilly americana que, como Hendrix, tuvo que saltar el charco hasta Inglaterra para triunfar. Desde mediados de los 90s gira por el mundo con una Big Band, con la que interpreta versiones swing de los 30s y 40s, además de Rock'n'Roll y R&B de los 50s. Y a un ritmo arrollador. Una formación de más de 20 músicos que, queda claro, nunca pisará España. Siempre nos quedarán los discos y DVDs.

Os pongo un tema, "Hey, Louie Prima" del disco "Guitar Slinger" de la Brian Setzer Orchestra, del año 96. Es un rock'n'roll de corte clásico, con un solo de guitarra que siempre que lo oigo me deja de pasta de boniato: saturación rockera, con ese sonido de guitarra Gretsch sin prácticamente frecuencias medias, lleno de fraseos melódicos mezclados con pequeñas figuras pentatónicas. Es un solo de los que me gustan a mí, de los que se pueden cantar, con melodía y silencios muy bien puestos.

Más y más Compresión: Por qué los Discos cada vez suenan Peor?

Os pongo aquí un enlace donde se explica, con un ejemplo incluso, porqué las grabaciones, como más hacia aquí en el tiempo nos desplazamos, suenan peor. Por la llamada "guerra del volumen", que hace que las grabaciones suenen cada vez más comprimidas, planas y sin textura.

Bob Ludwig, el famoso masterizador al que se entrevista en este blog, es optimista y cree que esto se va a acabar y se van a volver a masterizar los discos con mucha más dinámica. Yo ahí me permito diferir: en un mundo donde el formato que se está imponiendo es el mp3, mucho menos rico en información y más "plano" al escucharlo, creo que el tema del volumen se va a utilizar para precisamente obviar estas deficiencias.

Ojalá me equivoque.

He aquí el enlace al blog:

http://www.npr.org/templates/story/story.php?storyId=122114058


Y aquí un video explicativo muy, muy bueno.

Guitarristas 1: Tom Verlaine

No sé si os habréis dado cuenta, pero hasta ahora no he hablado de guitarristas que me gusten. Y eso que ése es precisamente mi instrumento.

Y por qué? Pues porque considero que el guitarrista es generalmente el miembro de la banda que más habla cuando nada tiene que decir, y hay pocos instrumentistas de las 6 cuerdas que realmente me emocionen cuando se ponen a solear.

Hay demasiados solos de guitarra en las canciones del mundo pop-rock. Demasiada pentatónica hueca y monocorde que, ayudada de overdrive y otras saturaciones, llena compases sin aportar demasiado. Supongo que ayuda el hecho de que yo no sea un entusiasta del blues, estructura armónica sobre la que descansan un porcentaje muy, muy alto, de las incursiones solitarias de los guitarristas a mitad de canción.

Pero aquí quiero hablaros, precisamente de los guitarristas que me gustan. Porque tienen un sonido característico, o porque hacen que del instrumento salgan llamas, porque tocan muy original, o porque simplemente me transmiten emociones, haciéndome conectar con ellos.

Y voy a empezar por Tom Verlaine, cantante y guitarra solista de Television, grupo inclasificable (new wave?) de la segunda mitad de los setenta en USA. Sonido urbano, que me recuerda a los Talking Heads en actitud, que no en formas.

Y qué tiene de especial como guitarrista este señor? Pues que, junto a Richard Lloyd (el otro guitarra), crea unas estructuras sónicas de auténtica orfebrería a base de frases cortas (no son riffs, no son acordes arpegiados) en que las dos guitarras van dialogando de forma super original. Y cuando llega el solo, señores, ahí se abre el cielo. Nos olvidamos de la pentatónica, y el maestro Verlaine hace hablar a la guitarra un lenguaje propio, con frases lentas y melódicas que se pueden cantar, intercaladas por fraseos rápidos y con intervalos a veces bastante forzados. Es decir, cuando se oye un solo de este hombre, queda claro que se trata de él.

Y además toca con Fender Jazzmaster, una de mis guitarras favoritas, con un sonido hueco y con twang, de la que os hablaré algún día.

Television tiene dos discos impresionantes, "Marquee Moon", del 77, y "Adventure", del 78. Los dos altamente recomendables. Contrariamente a todo el mundo, a mi me gusta más el segundo.

Os pongo un tema, "The Dream's Dream", con el que cierran el "Adventure". Un tema lento y largo, de interesante diálogo guitarrero, y con varios solos cortos.